1.- EL ROMANTICISMO MUSICAL AL PRINCIPIO DEL SIGLO XIX.
GENERALIDADES. PANORAMA HISTÓRICO.
LA ÓPERA, ESTILOS Y PRINCIPALES AUTORES EN FRANCIA Y ALEMANIA.
GIACOMO MEYERBEER.
CARL MARIA VON WEBER.
LA ÓPERA ITALIANA. GIOACHINO ROSSINI. GAETANO DONIZETTI.
VINCENZO BELLINI.
EL LIED. ESTRUCTURA Y ESTILO.
FRANZ SCHUBERT SU MÚSICA.
LIEDER.
MUSICA INSTRUMENTAL:
PIANÍSTICA.
DE CÁMARA.
SINFONÍAS.
_ Napoleón Bonaparte puso fin al proceso revolucionario con un régimen personal que, intentó imponer en toda Europa el dominio francés y las ideas de la revolución.
Su genio militar y la superioridad de su ejército fueron instrumentos de una desmedida ambición que, finalmente, sucumbió ante la reacción combinada de las naciones europeas.
LA EUROPA DEL CONGRESO DE VIENA
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Derrotado Napoleón las potencias europeas trataron de anular toda la obra de la Revolución francesa y restaurar el absolutismo.. El congreso de Viena estableció un equilibrio de europeo basado en la solidaridad de las monarquías frente a cualquier intento revolucionario de signo liberal.
Una vez restaurada la monarquía de luis xviii (1814-1824) , las potencias que habían vencido a Napoleón decidieron unirse para poner en práctica dos objetivos:
Restaurar el Antiguo régimen de sobre la base del legitísmo monárquico.
Lograr el equilibrio entre las potencias lo cual se creó un nuevo mapa de Europa sin tener en cuenta la diversidad étnica y lingüística.
El liberalismo y el Nacionalismo, dos nuevas fuerzas políticas que había desatado la revolución francesa extendiéndolas por toda Europa, combatieron el orden Europeo del congreso de Viena.
EL LIBERALISMO
Sus principios principales eran: La defensa de las libertades y los derechos individuales.
La igualdad de todos los ciudadanos ante la ley
La soberanía nacional, cuya materialización es la constitución, ley fundamental de la Nación que está por encima de todos, incluso de el rey.
La división de poderes según la teoría de Montesquieu.
El control, de la gestión pública a través de la publicidad y la libertad de prensa.
EL NACIONALISMO
Las nacionalidades como comunidad de raza, lengua e historia: se resisten frente a las fronteras artificiales creadas por los derechos patrimoniales de las monarquías.
En contra del mapa de Europa reconstruido en el congreso de Viena, los nacionalista repugnaban:
- La unificación de comunidades nacionales separadas en distintos Estados como: Alemania e Italia.(nacionalismo centripeto)
-La independencia de pueblos sometidos a estados como el impero austriaco o el turco otomano. ( nacionalismo centrífugo).
El congreso de Viena dividió a Italia en 7 estados, pero el movimiento cultural llamado Risorgimento impulsó la unidad Italina desde el reino de Paimonte. Giuseppe Mazzini 1805- 1872, Garibaldi y el conde de Cavour (1810-1861) fueron los principales impulsores de la unificación.
Guerra de los Ducados ( 1864)
Guerra Austro- Prusiana(1866)
Guerra Franco- Prusina (1870)
GIACOMO MEYERBEER
Alemania 1791-Paris, Francia 1864. Su nombre verdadero era Yaakov Liebmann Beer.
Judío observante.
De 1826 a 1842 residió en París y fue el mayor representante de la "gran- opera" francesa.
Entre 1840 y fin de siglo Meyerbeer fue una potencia mundial en música, con cifras astronómicas de representaciones. Creador del melodrama musical romántico. Desde 1842 Director General de Música en Berlín.
Marsillach calificó a Meyerbeer, junto a Weber y el mismo Wagner, como un "genio inmenso" y el "depositario y continuador de la tradición de Mozart, Beethoven y Gluck".
Obra destacada: Le huguenots (1836, su obra más conocida. ópera en cinco actos que alcanzó un éxito inmediato. Culmina con la histórica " Masacre del dia de San Bartolome", 1572, cuando miles de protestantes franceses -hugonotes- fueron asesinados por los católicos romanos en su esfuerzo por librar a Francia de la influencia protestante), El Profeta (1849), L' Africaine (1865).
Les huguenots
Marcha de la coronación " El profeta"
Carl Maria von Weber
Compositor que abarcó casi todos los géneros musicales, pasa a la historia fundamentalmente por su aportación operística, entre la que destaca sus producciones de Silvana (1810), Abu Hassan (1811) y Euryanthe (1821-1823).
La ópera es un drama cantado. Este drama se representa mediante elementos típicos de teatro, como la actuación, la escenografía, el vestuario.
Surge en Italia en el Barroco, siendo su primer ejemplo "Dafne" _(1697) de Jacobo Peri.
El nombre ópera comienza a usarse en el siglo XVII.
Manifestaciones de la opera italiana.
La manifestación inicial de la opera italiana es la ópera barroca, que en 1637, sale a los espacios públicos para representarla. Las primeras óperas barrocas combinan elementos de la comedia en ópera, reservados para la opera bufa. De esto deriva la Commedia dell' arte.
Monteverdi es uno de los compositores más influyentes del siglo xvii, y su ópera Orfeo, es la mas antigua que se presenta todavía. El libretti de la ópera italina, estableció la norma standar que rigió a la ópera alamena y provovó la oposición de la ópera francesa, que resolvió escribir sus dramas en su idioma.
El Bel Canto: es uno de los estilos de la opera italiana caracterizado por el virtuosismo y el adorno con que el solista realiza su representación. El período de auge de esta manifestación fue en la primera mitad del siglo XIX, debido a las óperas de Rossini, Bellini y Donizetti.
El estilo napolitano: fue desarrollado a fines del siglo XVII en Nápoles por Alessandro Scarlatti, debido a que el público de esta ciudad prefería la canción solista. Esto provocó que los compositores diferenciaran con mayor intensidad los distintos tipos de canciones. Desarrollaron dos formas de recitativo, el recitativo secco, acompañado por el bajo continuo, y el recitativo accompagnato, usado para situaciones de tensión con el acompañamiento de la orquesta. El invento del arioso, que combina contornos melódicos similares a los del aria, pero con ritmo convencional del recitativo.
A principios del siglo XVIII, el estilo napolitano logró imponerse en casi toda Europa, exceptuando Francia, donde Jean Baptiste Lully, fundó una escuela francesa de ópera. Lully contaba con el apoyo de Luis XIV, rey de Francia. Por este motivo, se priorizaba la pompa y los episodios instrumentales, incluyendo el ballet, que era más importante que en Italia. Debe destacarse que la escuela francesa producía sus composiciones en francés.
GIOACHINO ROSSINI. GAETANO DONIZETTI.
VINCENZO BELLINI.
(Pésaro, actual Italia, 1792-París, 1868) Compositor italiano. Situado cronológicamente entre los últimos grandes representantes de la ópera napolitana (Cimarosa y Paisiello) y los primeros de la romántica (Bellini y Donizetti), Rossini ocupa un lugar preponderante en el repertorio lírico italiano gracias a óperas bufas como Il barbiere di Siviglia, La Cenerentola o L’italiana in Algeri, que le han dado fama universal, eclipsando otros títulos no menos valiosos.
Rossini
Hijo de un trompetista del municipio de Pésaro que colaboraba con las orquestas de los teatros de la provincia, y de una soprano que llevó a cabo una corta carrera como seconda donna, la existencia de Rossini se vio ligada, desde la infancia, al universo operístico. Alumno del Liceo Musical de Bolonia desde 1806, en esta institución tuvo como maestro de contrapunto al padre Mattei y entró en contacto con la producción sinfónica de los clásicos vieneses, Mozart y Haydn, que ejercerían una notable influencia en la fisonomía instrumental de sus grandes óperas, de una riqueza tímbrica y de recursos (los célebres y característicos crescendi rossinianos) desconocidos en la Italia de su tiempo.
Tras varias óperas escritas según el modelo serio (Demetrio e Polibio, Ciro in Babilonia), ya en decadencia, y bufo (La cambiale di matrimonio,L’inganno felice), sin excesivas innovaciones, el genio de Rossini empezó a manifestarse en toda su grandeza a partir de 1813, año del estreno de Il signor Bruschino.
Dotado de una gran facilidad para la composición, los títulos fueron sucediéndose uno tras otro sin pausa (llegó a estrenar hasta cuatro obras en el mismo año). En París, ciudad en la que se estableció en 1824, compuso y dio a conocer la que iba a ser su última partitura para la escena, Guglielmo Tell (1829). A pesar de su éxito, el compositor abandonó por completo –cuando contaba treinta y siete años y por razones desconocidas– el cultivo de la ópera.
Gaetano Donizetti fue uno de los compositores más importantes del bel canto de ópera en italiano y francés en la primera mitad del siglo XIX. Muchos de los más de 60 óperas de Donizetti siguen siendo parte del repertorio moderno y continúan desafiando a los cantantes para sus exigencias musicales y técnicas. Donizetti está estilísticamente entre Rossini y Verdi , sus escenas son por lo general más expandidas en la estructura que las de Rossini , pero nunca borrosas las líneas entre el parado y recitativos como Verdi hizo en su período medio y trabajos finales. A menudo comparado con su contemporáneo, Bellini , Donizetti produjo una mayor variedad de óperas y mostró una mayor flexibilidad estilística, aunque nunca logró la belleza de Bellini grandes obras 's.
Donizetti fue educado en Bérgamo, la ciudad de su nacimiento, que estudia con el compositor de ópera Simon Mayr 1806-1814. Sus obras de juventud incluyen óperas de cámara, obras religiosas, y un poco de música de cámara. Primera ópera de la nota de Donizetti fue La Zingara, que fue estrenada en Nápoles en 1822. Él continuó trabajando en Nápoles durante el 1820 y 1830, donde fue activo tanto como un director de orquesta y compositor.
En 1830, Donizetti finalmente alcanzó fama internacional con su ópera Anna Bolena, destaca por su música expresiva y las escenas más extensas, estableció Donizetti como uno de los principales compositores de la ópera contemporánea. La ópera cómica L'elisir d'amore (1832) y la trágica Lucrezia Borgia (1833) llegaron poco después. Siguiente obra de Donizetti fue Maria Stuarda, siguió el mismo año por Lucia di Lammermoor (1835), que se convirtió en una obra maestra reconocida internacionalmente.La tragedia isabelina Roberto Devereux (1837) completó su trilogía de óperas que relatan la corte Inglés de Henry VIII de Elizabeth I.
Las óperas de Donizetti desde finales de 1830 no fueron capaces de igualar el éxito de Lucía, y cuando Donizetti fue pasado por alto para el cargo de director del Conservatorio de Nápoles en 1840, se trasladó a París. Allí compuso la ópera cómica La fille du Regiment (1840), que se celebró inmediatamente por su encanto y virtuosismo. Más tarde ese mismo año, completó La favorita (1840), otra importante contribución al repertorio francés. En 1842 fue nombrado maestro de capilla Donizetti de la corte austriaca en Viena, pero mantuvo su asociación con Paris.
Entre las últimas óperas de Donizetti son Maria di Rohan (1843), una importante ópera histórica, y su tragedia francesa Dom Sebastián (1843). Caterina Cornaro (1843) es también una de sus mejores obras para su fuerte contenido dramático. Estos últimos óperas, aunque rara vez se realiza, son trabajos serios que marcan la pauta para el Verdi .
Vicen
Vincenzo Bellini
Vincenzo Bellini forma con Rossini y Donizetti el triunvirato que resplandece en el cielo del bel canto operístico; al mismo tiempo es el romántico más auténtico de Italia. Las mejores obras de Bellini, como las de su rival Donizetti, por no hablar del tercer maestro del triunvirato, pertenecen al repertorio internacional. Si bien hay cosas que han perdido brillo, algunas de sus más bellas melodías no pueden extinguirse, al igual que no se extingue el brillo de un diamante. Bellini poseía el don maravilloso de la melodía pura, uno de los más raros regalos de la inspiración. Sabía situar sus mejores melodías tan perfectamente en la garganta humana que todo cantante auténtico desea interpretarlas.
En el ámbito de la ópera alemana se lo subestimó mucho durante cierto tiempo; en los libros se citaba, si es que se citaba, como predecesor de Verdi, y en los escenarios aparecía muy raramente. Una excepción la constituyó ocasionalmente Norma, obra ante la que numerosos músicos alemanes, por ejemplo Wagner, se mostraron entusiasmados. ¿Fue Bellini un compositor italiano demasiado "nacional", tal vez un equivalente meridional del "alemanísimo" Lortzing? Sería erróneo juzgarlo así. Su melodía, la parte más fuerte de sus composiciones, puede ser "auténticamente italiana", pero es comprendida y sentida por todos los pueblos (occidentales) del mundo. Además, ese estilo italiano de melodía dominó durante siglos el mundo de la ópera.
Las mejores obras de Bellini, como las de su rival Donizetti, por no hablar del tercer maestro del triunvirato, pertenecen al repertorio internacional. Si bien hay cosas
Las mejores obras de Bellini, como las de su rival Donizetti, por no hablar del tercer maestro del triunvirato, pertenecen al repertorio internacional. Si bien hay cosas que han perdido brillo, algunas de sus más bellas melodías no pueden extinguirse, al igual que no se extingue el brillo de un diamante. Bellini poseía el don maravilloso de la melodía pura, uno de los más raros regalos de la inspiración. Sabía situar sus mejores melodías tan perfectamente en la garganta humana que todo cantante auténtico desea interpretarlas.
Compuso piezas musicales de una belleza duradera. Sin embargo, ningún teatro debería representar una ópera de Bellini si no cuenta con las voces adecuadas.
Bellini nació en Catania el 1 de noviembre de 1801. Estudió música en Nápoles; en el curso de su corta vida se desplazó siempre hacia el norte (mientras que Donizetti, casi al mismo tiempo, hacía el camino contrario: siendo del norte de Italia, se hizo famoso principalmente en el sur). Tras algunos éxitos iniciales, alcanzó la fama en 1831, año en el que, con escasa diferencia de tiempo, La sonnambula y Norma tuvieron clamorosos estrenos, en los que participaron algunos de los más famosos cantantes de la época. Dos años más tarde encontramos a Bellini en París, donde comenzaba a concentrarse la vida operística de la época. Allí vivían Rossini, Spontini, Cherubini, Donizetti, los alemanes Meyerbeer, Offenbach y Flotow, más un importante grupo de compositores franceses entre los que estaban Auber, Boieldieu, Berlioz, Adam, Halévy, Hérold y muchos otros. Sin embargo, Bellini permaneció en París poco tiempo. Heine nos ha dejado una imagen de él llena de afecto y admiración en sus penetrantes Impresiones de París. Con Ipuritani volvió a conseguir Bellini un gran éxito.
La muerte, acaecida el 24 de septiembre de 1835, interrumpió su brillante carrera. Fue enterrado en el cementerio del Pére Lachaise, donde su amigo Chopin recibiría sepultura en 1849, también demasiado pronto, en una tumba cercana a la suya. Exactamente un año después de la muerte de Bellini murió también, a los 28 años, la que quizá ha sido su más espléndida intérprete, la cantante María Malibran. En 1876 los restos de Bellini fueron exhumados y llevados a Catania, su ciudad natal.
2.-EL ROMANTICISMO A MEDIADOS DEL SIGLO XIX.
PANORAMA HISTÓRICO. MOVIMIENTO CECILIANISTA.
SE INCREMENTA LA MÚSICA DE PROGRAMA.
MÚSICA INSTRUMENTAL. EL AUGE DEL PIANO. GENEROS QUE SURGEN.
PRINCIPALES COMPOSITORES
OBRAS Y ESTILO DE:
FEDERICO CHOPIN.
FELIX MENDELSHONN.
ROBERT SCHUMANN.
HECTOR BERLIOZ. SU ORQUESTA. SINFONÍA FANTÁSTICA.
LA MÚSICA EN ITALIA. NICCOLO PAGANINI.
El cecilianismo (nombre derivado de santa Cecilia , patrona católica de los músicos) fue un movimiento musical nacido a finales del siglo XIX en el seno de la Iglesia católica, aproximadamente, hasta la segunda década del siglo XX. Los músicos y teóricos cecilianistas reaccionaron contra los excesos de la música sacra romántica (a la que se juzgaba excesivamente operística, como sucedía con las obras de Franz Liszt o Anton Bruckner y reivindicaron la interpretación en la liturgia del canto gregoriano y de las obras de los grandes polifonistas del Renacimiento como Giovanni Pierluigi o modelos que proponían también a los compositores contemporáneos de música sacra para inspirar sus nuevas obras, cuyo propósito era también buscar la participación de la asamblea de fieles en la liturgia por medio del canto (por esta razón, se fundaron en estos momentos numerosas «Scholae cantorum» en las parroquias). También la interpretación al órgano se vio afectada por este movimiento: se condenó igualmente los excesos teatrales propios del XIX y se defendió una mayor sobriedad. La reforma de la música litúrgica propugnada por los músicos cecilianistas fue fomentada por el propio papa Pío X , quien en 1903 dio a conocer su motu proprio Tra le sollecitudini en el que recoge los presupuestos de Perosi, a quien conoció cuando el futuro papa era patriarca en Venecia y Perosi director de la Capilla Marciana.
MUSICA PROGRAMÁTICA
El cerebro humano genera tres tipos de ritmo: el producido por emociones, pensamientos e imágenes mentales. El compositor, con la mente, sólo puede reproducir el recuerdo que guarda de estas tres clases de actividad cerebral. Al querer plasmar en música emociones, pensamientos e imágenes mentales, lo convierte en ritmo de mente. Cuando esto ocurre estamos ante una manifestación de música programática.
Durante la historia de la música la intención de describir algún tipo de historia, situación o escena en particular ha estado presente, pero el término “música programática” probablemente surge en el período Romántico de la música occidental europea. Como podemos imaginarnos esto sería, entonces, un elemento importantísimo en la música para el cine, pues la naturaleza de este concepto es la característica principal para las películas. Es importante tener en cuenta que el término es normalmente asociado con música sinfónica, es decir, música para orquesta, excluyendo así a las óperas y las canciones, ya que al tener un texto asociado la descripción de la pieza existe fuera del lenguaje musical. El término opuesto a la música programática es la música absoluta, que se refiere al conjunto de obras que no tienen ninguna referencia extramusical asociada, y que tiene el valor estético por sí misma; por ejemplo las sinfonías (en general), sonatas, conciertos, etc.
Y aunque el término sea asociado a la música sinfónica existen numerosos ejemplos de piezas para otros instrumentos que han sido consideradas música programática.
Veamos algunos ejemplos de esto:
Antonio Vivaldi, compositor italiano del período barroco, escribió una de las obras más famosas de todos los tiempos; me refiero a las Cuatro Estaciones, un conjunto de cuatro conciertos para violín y orquesta que claramente describen con efectos orquestales las estaciones del año con cambios de clima, la naturaleza, lluvia, etc.
Quizás el período que más enfatizó en la música programática sea el Romanticismo, pues una de las características de esta música era la descripción de las emociones humanas. Franz Liszt, compositor húngaro representativo de este período, inventó el término “poema sinfónico”, después explorado por Richard Strauss. El poema sinfónico es una obra para orquesta que tiene sus orígenes en la literatura y que describe una escena en particular. Pero Liszt escribió muchas obras para piano que son descriptivas; quizás el ejemplo mas claro sea la Sonata en Si menor, basada en el Fausto de Goethe, quien no solo inspiró a Liszt sino también a Paul Dukas, compositor francés famoso por su Aprendiz de Brujobellamente representado por Disney en su película Fantasía.
Tal vez uno de los ejemplos más famosos sea la Obertura 1812 del compositor ruso P. I. Tchaikovsky, obra que describe a Napoleón y su ejército a la batalla. La Marsellesa es citada de manera explícita en esta obra, dando claro testimonio del poderío de sus tropas francesas.
Estos y una lista interminable de ejemplos de música programática representan un sin fin de recursos muy atractivo para los compositores de películas ya que la música para el cine tiene precisamente esa función: describir. Así pues, concluimos una vez más que, a la llegada del siglo XX, y con la aparición del cine, el arte de hacer música para películas es la consecuencia lógica de muchísimos años de evolución en la música clásica occidental.
CHOPIN DOCUMENTAL
FELIX MENDELSHONN ( PEQUEÑA BIOGRAFÍA VIDEO)
ROBERT SCHUMANN
Reconocido compositor y crítico de la música en la época del Romanticismo. De origen alemán conocido en el mundo del arte como Robert Schumann. Considerado como uno de los más grandes paradigmas del Romanticismo.
Pasó toda su juventud dedicado a la lectura y la música de tal manera que tardó un tiempo en escoger su verdadera vocación y aunque prefirió la música nunca abandonó la lectura poemas, siendo un gran admirador de Goethe, Schiller.
En su empeño de convertirse en músico tuvo en todo momento el apoyo de su padre, quién le procuró un profesor de piano y a los siete años Schumann ya compondría sus primeras piezas musicales. A los diez años ingresa en el Gimnasio de Zwckau para iniciar sus estudios, y a los 14 años escribe un ensayo sobre la estética de la música. En 1926 fallece su padre y su madre que no aprobaba la inclinación musical del joven lo envía a estudiar Derecho en la Universidad de Leipzing, aunque continúa su empeño musical de la mano del organista de la Iglesia de Santa María, J. G. Kuntzsch y doce meses después abandona los estudios para consagrarse por entero a la música.
Robert Schumann deseaba convertirse en un virtuoso del teclado; admiraba y aprendía mientras escuchaba intervenciones de grades músicos como NiccoloPaganini y el pianista FranzListz los cuales inspiraban en él los deseos de emplearse a fondo en el piano. Tanto fue su afán que poco tiempo después una grave lesión en su mano derecha lo obligaría a abandonar el piano para convertirse en uno de los más reconocidos compositores del siglo XIX.
En 1931 compone su Sonata para piano en si menor, una de las obras más importantes de su juventud. En 1835 se produce el primer encuentro entre Robert Schumann y Felix Mendelssohn, al tiempo que conocía a Fréderic Chopin.
En 1941 compone oberturas sinfónicas y conciertos, en los que el piano sigue teniendo un papel principal.
Durante el año de 1843 Schumann trabajó como profesor de piano, composición y lectura a primera vista del recién fundado Conservatorio de Leipzing, puesto que conseguía gracias a la propuesta de F. Mendelssohn, teniendo asimismo la oportunidad de conocer a Berlios.
Para finales de los 40, exactamente en 1849, el movimiento revolucionario llega a Dresde, causando el que Wagner entre en prisión. Schumann, temeroso de que los conflictos también lo arrastren, se refugia en el campo, hasta que en 1850 es nombrado Director Musical de la ciudad de Dusseldorf. En esta etapa recupera su pasión por el trabajo compositivo viendo la luz importantes obras como el Concierto para Cello y Orquesta, música incidental para Julio César, Requiem für Mignon, Sonata para violín y piano en si menor, Sonata para Violín y Piano en re menor, etc.
Durante 1852 aparecen su Misa (Op. 147) y el Requiem (op. 148), aunque su salud estaba muy deteriorada desde 1851. En este período sufre fiebres reumáticas, su depresión vuelve a aparecer, sufre insomnio y problemas psicomotrices. Pero a a pesar de estas infelicidades, Schumann logra estrenar con éxito la Sinfonía en re menor y el Concierto para Violín y Orquesta , al tiempo que comienza su relación con J. Brahms.
El 27 de febrero de 1854 Schumann se lanza al rin como consecuencia de su demencia y aunque es rescatado a tiempo su mente estaba perdida para siempre. Es internado en un sanatorio privado cerca de Bonn, Alemania, donde permanece hasta su muerte, el 29 de julio de 1856 a la de edad de 46 años. Muere víctima de un colapso neurocirculatorio aunque otras fuentes aseguran que fue a causa de la sífilis.
Schumann dejaba como obra maestra de su música orquestal su Obertura Manfred, y una música de cámara en la que el piano siempre llevó el papel más importante.
Desde el principio, se observa que Schumann utilizaba un sistema musico- simbólico privado que ha sido y es extraordinariamenre complejo de descifrar. Precisamenre este paralelismo entre su música y su vida es lo que convierte a Schumann en el músico romántico por excelencia.
En la música para piano, la característica principal de Schumann sería el que raramente sigue al desarrollo temático clásico, basándose sobre todo para la exposición de sus temas en la técnica de la variación.
Su obra supone una de las cumbres del Romanticismo y destaca por el espléndido tratamiento del piano y de la voz. De su obra orquestal se destacan sus sinfonías (segunda, de 1845-1846; tercera o Renana, de 1850; y cuarta, de 1841), el Concierto para piano (1841-1845), el Concierto para violoncelo (1850) y el Concierto para violín (1853). De su música de cámara son interesantes el primer trío en re menor (1847), el primer cuarteto en la menor (1842), las Escenas de cuentos para viola o violín y piano (1851), las dos sonatas para violín y piano (1851), lasCinco piezas en tono popular para violoncelo y piano (1849) y las Fantasías para clarinete y piano (1849).
También escribió música coral y religiosa (Requiem para Mignon, 1849; Requiem, 1952; los oratorios El Paraíso y la Peri, 1841-1843, y El peregrinaje de la rosa, 1851) y para la escena (Escenas de Fausto, 1844-1853, Genoveva, ópera, 1847-1850; música para el Manfred de Byron, 1949). De entre sus canciones hay que destacar: Mirtos, Liederkreis (dos series), Kerner Lieder, Los amores del poeta y Vida amorosa de una mujer (todos de 1840).
Finalmente, su música para piano comprende Mariposas (1829-1832), Carnaval (1834-35), Estudios sinfónicos (1834), Fantasía en do mayor (1836), Escenas de niños (1838), Fantasía kreisleriana (1838), Novelletten (1838), Sonata nº 2 (1833-1838), Arabeske (1839), Carnaval de Viena (1839), Álbum para la juventud (1848) y Escenas del bosque (1848-1849), entre otras.
